Découvrez quelques-unes des peintures célèbres dans lesquelles nous avons réussi à voir et à déchiffrer le "double fond".
La plupart des artistes mettent dans leurs peintures une signification cachée, un mystère ou une énigme que les critiques d'art et d'autres experts tentent de déchiffrer au fil du temps.
1. Jérôme Bosch, Jardin des délices terrestres, 1500-1510.
Yerun van Aken a signé ses peintures "Hieronymus Bosch". Il était un homme aisé et faisait partie de la fraternité catholique de la Mère de Dieu. Cependant, probablement derrière le dos d'Erun van Aken a croisé les doigts, parce que selon les hypothèses des historiens, Bosch était un hérétique et appartenait à la secte adamite et était donc un admirateur de l'hérésie du Qatar.
À cette époque, l'Église catholique luttait partout contre les cathares et l'artiste devait cacher ses croyances. Cependant, selon les critiques d'art du monde entier, dans le film «Le jardin des délices de la terre», c'est précisément sa croyance secrète de l'hérétique, dans laquelle il raconte les enseignements des Cathares, qui a été cryptée. Mais si ses contemporains le devinaient, alors Bosch, sans droit à la justification, serait brûlé sur le bûcher.
2. Tivadar Kostka Chontwari, vieux pêcheur, 1902
Afin de déchiffrer l'idée de cette image, nous avons dû attacher un miroir à son milieu. Au cours de la vie de l'artiste, ce n'est pas un puzzle d'enfant et ne pouvait pas le comprendre. Mais quand les critiques d'art modernes ont pensé à travailler avec un miroir, ils ont été surpris par ce qu'ils ont vu, comme une image a montré trois visages à la fois. Le premier est le vrai visage du vieux pêcheur, le second et le troisième sont ses personnalités cachées: le démon (réfléchi sur l'épaule gauche) et la vertu (réfléchi sur l'épaule droite).
3. Hendrik van Antonissen, Vue du rivage de Scheveningen, 1641.
Lorsque la toile est entrée dans le musée comme cadeau d'un ecclésiastique et d'un collectionneur à temps partiel en 1873, alors, sur la photo, les gens rassemblés par mauvais temps regardaient simplement dans la mer. Cela n'offensa pas une fois la curiosité des spécialistes, car on ne savait pas trop ce qui pouvait attirer les gens par mauvais temps.
Le mystère a été révélé plus tard avec une restauration soignée. Quand elle a été éclairée par les rayons X, l'image a montré la carcasse d'une baleine, jetée sur cette rive. Et puis il est devenu clair que cela attirait l'attention de tous ces gens. Après la restauration, une baleine est apparue sur la peinture, et ce chef-d'œuvre est devenu beaucoup plus intéressant, donc il a été donné une place plus honorable qu'auparavant. Sur la suggestion des restaurateurs, la baleine pourrait être essuyée et esquissée par l'artiste lui-même, qui pensait que tout le monde ne voudrait pas contempler une créature de la mer morte dans l'image.
4. Léonard de Vinci, La Cène, 1495-1498.
Lorsque l'artiste a créé ce chef-d'œuvre, il a surtout prêté attention aux figures principales - Christ et Judas. Il n'a pas réussi à trouver de bons sitters pour longtemps, mais un jour il a rencontré un jeune choriste dans une chorale de l'église et copié l'image du Christ de lui. Cependant, il a dû chercher un homme pour l'image de Judas pendant 3 autres années, jusqu'à ce que l'artiste rencontre un ivrogne couché dans la gouttière.
C'était un jeune homme dont l'apparence déformait l'ivresse de l'ivresse. Et quand, après avoir dégrisé Da Vinci a commencé à écrire avec lui l'image de Judas, l'ivrogne a dit qu'il avait déjà posé pour lui il y a 3 ans. Il s'est avéré que cet homme déchu était ce jeune choriste qui a posé pour l'image du Christ.
5. Rembrandt, Veille de nuit, 1642
La plus grande peinture de l'artiste a été découverte seulement au XIXème siècle, après quoi elle a visité les célèbres salles du monde sous le titre "Night Watch". Assigné un titre à l'image parce qu'il semblait que les chiffres se déroulent sur un fond sombre, ce qui signifie - la nuit. Et seulement au milieu du XXe siècle, les restaurateurs ont découvert que l'image de temps en temps est recouverte d'une couche de suie. Après avoir nettoyé le chef-d'œuvre, il est devenu clair que la scène se déroule pendant la journée, puisque l'ombre qui tombe de la main gauche du capitaine Cock indique que l'heure de l'action est vers 14h00.
6. Henri Matisse, Bateau, 1937
En 1967, une peinture de Henri Matisse "Le Bateau" de 1937 a été exposée au Musée de New York. Cependant, après 47 jours, l'un des spécialistes a attiré l'attention sur le fait que la photo est très probablement affichée "à l'envers". Les éléments importants de l'image sont 2 voiles, dont l'un est un reflet dans l'eau. Donc, dans la bonne version, la grande voile devrait être en haut, et son pic devrait regarder dans la direction du coin supérieur droit.
7. Vincent van Gogh, Autoportrait avec un tube, 1889.
Sur l'oreille coupée de Van Gogh, les légendes vont déjà. Beaucoup disent qu'il s'est coupé pour lui-même, mais une version officiellement plus crédible a été adoptée, que l'oreille a souffert de l'artiste dans un petit combat avec un autre artiste - Paul Gauguin. Le secret de cette image est que l'artiste dessinait son autoportrait à partir d'un reflet dans le miroir: l'oreille droite est bandée sur l'image, mais en réalité elle a été endommagée par l'oreille du côté gauche.
8. Grant Wood, gothique américain, 1930
Dans la peinture américaine, cette image, avec les visages mornes et tristes des habitants de l'Iowa, est considérée comme la plus sombre et la plus oppressante. Après que la toile a été exposée à Chicago à l'Art Institute, les juges ne lui ont pas donné de grandes récompenses immédiatement et ont été classés comme une image satirique. Cependant, le conservateur du musée a été surpris et croyait que les images des résidents ruraux de cette époque sont reflétées ici. Il a influencé le résultat de l'évaluation finale et, finalement, Grant Wood a reçu un prix de 300 $, après quoi le musée a immédiatement acheté cette photo. Donc, la photo est tombée sur les pages des journaux.
Cependant, cette image n'a pas provoqué une telle admiration, comme dans le conservateur de musée, parmi les habitants de l'état de l'Iowa. Au contraire, la mer de la critique est tombé sur ce travail, et les Aiovtsi ont été profondément offensés, que l'artiste les a montrés dans tel sombre et sombre. Plus tard, l'artiste a expliqué qu'en traversant l'état de l'Iowa, il a rencontré une intéressante maison blanche, construite dans le style de la menuiserie gothique, et il a décidé de créer ses habitants sur son assomption, et ne voulait pas offenser les villageois de cet état.
L'artiste a même ouvert les noms des assistants à partir desquels il a écrit des images: la fille dans le tablier démodé écrivait de sa soeur, et l'homme sévère avec un regard dur est le dentiste de l'artiste, qui dans la vie n'a pas l'air morose. Cependant, sœur Wood restait insatisfaite, elle prétendait que sur la photo elle pouvait être confondue avec une femme de deux fois plus âgée. Par conséquent, seulement avec ses mots, on croit que la toile montre le père et la fille, mais l'artiste n'a jamais commenté.
9. Salvador Dali, une jeune vierge qui s'abandonne au péché de Sodome avec l'aide des cornes de sa propre chasteté, 1954.
Jusqu'à la rencontre avec Gala pour Salvador Dali était une muse et un modèle à temps partiel sa soeur Anna Maria. Et en 1925 l'image "Figure par la fenêtre" a été publiée. Mais un jour l'artiste a osé laisser une inscription insultante sur une de ses œuvres au sujet de leur mère: «Parfois, je crache sur le portrait de ma propre mère, et cela me fait plaisir. Pour cette astuce choquante, la sœur ne pouvait pas lui pardonner, après quoi leur relation s'est détériorée.
Et quand Anna Maria publia en 1949 son livre intitulé «Salvador Dali à travers les yeux de la sœur», elle ne décrivit pas l'admiration de l'artiste, ce qui rendit le Salvador furieux lui-même. Et, selon les experts, en représailles pour la soeur du livre en 1954, l'artiste offensé a créé l'image "Une jeune vierge qui s'abandonne au péché de Sodome avec l'aide des cornes de sa propre chasteté." Dans cette image, le paysage à l'extérieur de la fenêtre, les boucles rouges et la fenêtre ouverte sont clairement entrelacés avec l'image "Figure à l'extérieur de la fenêtre."
10. Rembrandt Harmens van Rijn, Danae, 1636-1647
Pendant les travaux de restauration dans les années 60 du 20ème siècle, l'image a été rayonnée par des rayons X, après quoi il est devenu connu que Danae a 2 visages. Initialement, le visage de la princesse a été écrit à partir de l'image de la femme de l'artiste Saskia. Cependant, sa femme mourut en 1642, et après sa mort, Rembrandt commença à vivre avec sa maîtresse Hertie Dirks. Par conséquent, la peinture a été achevée par l'artiste déjà d'elle, et le visage de Danae a changé, devenant semblable à l'image de Dirks.
11. Léonard de Vinci, Portrait de Mme Lisa del Giocondo, 1503-1519.
Dans le monde entier, Mona Lisa est reconnue comme parfaite et son sourire est tendre et mystérieux. Le mystère de ce sourire a été tenté de déchiffrer le critique d'art et simultanément le dentiste américain Joseph Borkowski. Selon son opinion d'expert, une théorie a été avancée selon laquelle la «belle Joconde» sourit de façon si mystérieuse pour une raison simple: elle manque de beaucoup de dents. En étudiant les fragments élargis de sa bouche, Joseph a même considéré les cicatrices autour de lui, alors il prétend que quelque chose est arrivé à l'héroïne, à la suite de laquelle elle a perdu un nombre important de dents. Et son sourire est typique pour un homme qui n'a pas de dents de devant.
12. Ferdinand Victor Eugène Delacroix, La liberté sur les barricades, 1830
L'historienne de l'art Etienne Julie estime que l'image de Liberté a été écrite par le célèbre révolutionnaire de l'époque, Anna Charlotte, qui était une roturière de profession. Cette femme désespérée est allée aux barricades et a tué les 9 soldats royaux. À un tel pas courageux, la mort de son frère, qui est tombé aux mains des gardes, l'a excitée. Une poitrine nue dans Liberté sur la photo signifie que la démocratie et la liberté elle-même sont les mêmes qu'un roturier qui ne porte pas de corset.
13. Kazimir Malevitch, place suprématiste noire, 1915
Certaines personnes attribuent le pouvoir mystique à la place noire de Malevitch. Cependant, comme il s'est avéré, l'auteur n'a rien mis de magique dans cette image, et l'image a été en fait appelée "La bataille des nègres dans une grotte sombre". Une telle inscription a été découverte par des spécialistes de la galerie Tretiakov.
Le carré n'est pas tout à fait carré car aucun des deux côtés n'est parallèle à l'autre, mais ce n'est pas la négligence de l'artiste, mais son désir de créer une forme dynamiquement mobile. Et le noir est juste le résultat du mélange de couleurs de différentes nuances. Très probablement, Malevich a donc répondu à l'image d'un autre artiste, Alfons Alla, qui a peint un rectangle complètement noir, appelant l'œuvre "La bataille des nègres dans une sombre caverne au fond de la nuit".
14. Gustav Klimt, Portrait d'Adele Bloch-Bauer, 1907
Derrière le secret de ce portrait se cache un triangle amoureux entre la maîtresse de Bloch-Bauer, son mari et l'artiste Klimt. La ligne de fond est que, entre l'épouse d'un magnat du sucre et un artiste populaire dans ces années, une romance turbulente a tourné autour, et probablement toute la Vienne était au courant.
Lorsque cette nouvelle parvint au mari d'Adele Ferdinand Bloch-Bauer, il décida de se venger de ses amants d'une manière inhabituelle.
Piqué par la trahison de sa femme, M. Bloch-Bauer se tourna vers son amant Gustav Klimt avec l'ordre: écrire un portrait de sa femme. Le magnat rusé a décidé qu'il rejetterait les portraits de sa femme, et l'artiste devrait faire des centaines de nouveaux croquis. Et c'est nécessaire pour l'artiste de simplement sortir du modèle Adele Bloch-Bauer. Alors Adèle devrait voir comment la passion de Klimt pour elle s'évanouit, et le roman prendra fin.En conséquence, le plan insidieux de Ferdinand a fonctionné comme il l'avait prévu, et après avoir écrit les derniers amateurs d'image se sont séparés pour toujours. Cependant, Adélie ne savait pas que son mari était au courant de ses amours avec l'artiste.
15. Paul Gauguin, D'où venons-nous? Qui sommes-nous? Où allons-nous?, 1897-1898.
Cette image a été un tournant dans la vie de l'artiste, ou plutôt, elle l'a vraiment ramené à la vie, après un suicide infructueux. Il écrivit une œuvre à Tahiti, où il fuyait parfois la civilisation. Mais cette fois, les choses ne se sont pas passées aussi bien: la pauvreté constante a plongé l'artiste imaginaire dans une profonde dépression.
Il a fini de peindre comme un testament à l'humanité, et quand le chef-d'œuvre a été accompli, l'artiste désespéré est allé à la montagne avec une boîte d'arsenic pour finir sa vie. Cependant, il n'a pas calculé la dose et, se tordant de douleur, est retourné chez lui et s'est endormi. Après l'éveil et la prise de conscience de son acte, l'artiste est revenu à sa soif de vie, et quand il est rentré à la maison, tout était normal, une recrudescence créative a commencé, et les choses se sont intensifiées.
Le secret de cette image est qu'elle doit être lue de droite à gauche, comme les textes cabalistiques qui fascinaient l'auteur du tableau à cette époque. L'œuvre raconte la vie spirituelle et physique d'une personne de sa naissance à sa mort (dans le coin inférieur droit, le bébé est représenté comme un symbole de naissance et dans le coin inférieur gauche, un vieil oiseau et un oiseau attrape un lézard comme symbole de la mort).
16. Peter Bruegel l'aîné, proverbes néerlandais, 1559
Ce chef-d'œuvre contient en soi ni plus ni moins, mais environ 112 proverbes. Certains d'entre eux parlent de bêtise humaine. Beaucoup sont pertinents à ce jour: "armés jusqu'aux dents", "naviguer à contre-courant".
17. Paul Gauguin, Village Breton sous la neige, 1894.
Cette image reflète la profondeur de la fantaisie de l'homme, car l'art peut être vu de différentes manières. Pour la première fois la toile a été vendue après la mort de l'artiste aux enchères pour un misérable sept francs appelé "Niagara Falls". C'est arrivé parce que l'organisateur des enchères l'a accroché au sommet avec ses pieds et a vu une chute d'eau dans l'image, et pas un village, couvert de neige.
18. Pablo Picasso, salle bleue, 1901
La solution de cette image n'a été un succès pour les historiens de l'art qu'en 2008, après qu'il a été éclairé par le rayonnement infrarouge. Après cela, la deuxième image ou, plus probablement, la première a été découverte. Sous l'image principale de la femme dans la chambre bleue, la figure d'un homme vêtu d'un costume et d'un papillon, appuyant sa tête de sa main, devint clairement visible.
Selon l'expert Patricia Favero, quand Picasso a eu l'inspiration, il a immédiatement saisi le pinceau et a commencé à dessiner. Et peut-être, à l'instant suivant, quand la muse lui rendit visite, l'artiste n'avait pas de toile blanche à portée de main, et il commença à peindre une nouvelle image, ou Pablo n'avait tout simplement pas d'argent pour de nouvelles toiles.
19. Michel-Ange, La Création d'Adam, 1511
Cette image peut être appelée une leçon d'anatomie. Ainsi, selon les spécialistes américains en neuroanatomie, la photo montre un cerveau énorme avec des parties clairement visibles, par exemple, la glande pituitaire, le cervelet, les nerfs optiques et même l'artère vertébrale, qui est représenté comme un ruban vert vif.
20. Michelangelo Merisi da Caravaggio, luthiste, 1596
Cette image a été exposée à l'Ermitage depuis très longtemps sous le nom de "Lutnistka". Cependant, dans la première moitié du XXe siècle, les historiens de l'art et les experts ont découvert que l'image représente un jeune homme, pas une fille. Sur cette pensée, ils étaient poussés par des notes devant l'image d'un homme. Ils peuvent voir la partie masculine de basse de Madrigal Jacob Arkademt "Vous savez que je vous aime." Par conséquent, il est peu probable qu'une femme fasse un tel choix pour chanter.
De plus, pendant la vie de l'artiste, le luth et le violon, qui sont représentés sur une toile, étaient considérés exclusivement comme des instruments de musique masculins. Après cette conclusion, l'image a été exposée sous le nom "Lutnist".